torsdag den 17. maj 2012

Variationer over et tema af Verlaine

Forleden kom en sangerinde til mig med noderne til Spleen af den franske komponist Gabriel Faure (1845-1924). Sangen er skrevet til digtet "Il pleure dans mon coeur" af den franske digter Paul Verlaine (1844-1896). Jeg blev straks forelsket i den smukke og uendelig triste tekst om den uforklarlige sorg i det regnfulde gråvejr, den smukke sangstemme og de fantastiske regndråbe-lignende klange i klaveret.

Il pleure dans mon coeur
Comme il pleut sur la ville.
Quelle est cette langeur
Qui pénêtre mon coeur?

O bruit doux de la pluie
Par terre et sur le toits!
Pour un coeur qui s'ennuie,
O le chant de la pluie!

Il Pleure sans raison
Dans ce coeur qui s'écoeure.
Quoi! Nulle trahison?
Ce deuil est sans raison.

C'est bien la pire peine
De ne savoir pourquoi,
Sans amour et sans haine,
Mon coeur a tant de peine.



Jeg opfattede musikken som et helt fantastisk manifest af den stemning, Verlaine beskriver i digtet. Kølig, grå, enkel og sørgmodig. Mystisk, uforklarlig - og alligevel højst genkendelig. De smukkeste, melankolske harmonier gør deres for at fuldende scenariet.



Når jeg hører stykket, kan jeg ikke undgå at forestille mig scenariet med den uforklarligt sørgmodige kvinde, der sidder i sin vindueskarm i Paris og kigger ud på gaden, mens regnen blidt pludrer mod ruden.

Dagen efter finder jeg ud af, at Claude Debussy (1862-1918) også har lavet en sang over samme digt - og jeg må nu stille spørgsmålstegn ved min opfattelse af Faureś udgaves fuldkommenhed, da jeg hører et ganske og aldeles anderledes bud på en musikalsk genklang af digtet:


Denne sang viser også elementer af melankoli og sørgmodighed - men indeholder langt flere lyspunkter med de mange åbne og varme durklange samt den yderst melodiske og næsten improvisatoriske sangstemme med de karakteristiske store, håbefulde intervalspring.

Hvor er det vidunderligt, at to fænomenale, franske komponister har givet hver deres vidunderlige bud på en musikalsk forankring af Verlaines smukke digt. Det er et fantastisk bevis for, hvor forskelligt man kan fortolke en litterær tekst - hvor forskelligt man kan opleve stemninger, og hvor utrolig meget af dette man på helt særlig vis kan udtrykke gennem musikkens sprog; sproget, der er mystisk, uforklarligt - og alligevel højst genkendeligt.

mandag den 14. maj 2012

At dø i dur

"Man kan ikke dø i dur", udbrød min lærer i musikteori og analyse meget bestemt engang i løbet af mit første år på konservatoriet, da snakken i en undervisningstime faldt på musikhistoriens skildringer af døden.
Hans ord gjorde stort indtryk på mig - men vakte ikke just genklang i mine tanker. Hvorfor skulle man ikke kunne dø i dur? Skal døden altid skildres ubetinget sørgelig og tragisk? Er det ikke ligeså smukt og accepteret at forlade denne verden til lyden af åbne, varme og involverende durklange?

Der findes utallige eksempler på musikalske dødsskildringer i mol-tonearter. Men skildringen findes  også, om end i beskedent antal, i dur; fx i satsen Im Paradisum fra Faurés Requiem (Gabriel Fauré: 1845-1924). Værket som helhed finder sit udgangspunkt i d-mol, men Im Paradisum, som er den sidste af værkets 7 satser, står i D dur, og får derved hele oplevelsen af døden til at forløses i de smukkeste og varmeste, åbne og rene dur-klange:


Som titlen på satsen - og teksten, som er angivet og oversat nedenfor - fastslår, handler denne sats om den afdødes ankomst til himmeriget:

In paradisum deducant te angeli,
in tuo adventu
suscipiant te martyres,
et perducant te
in civitatem sanctam Jerusalem.
"Må englene føre dig til paradis, og må martyrerne modtage dig og føre dig til den hellige stad Jerusalem."
Chorus angelorum te suscipiat,
et cum Lazaro quondam paupere
aeternam habeas requiem.
"Må englenes kor modtage dig, og må du finde evig hvile sammen  med den engang fattige Lazarus."


Dette er nok et af musikhistoriens smukkeste eksempler på en dødsrejses musikalske afslutning i dur-klange. En rejse, hvor sangernes lyse klange vækker associationer om enklekor i himmeriget, og en rejse, der - efter den naturlige og uundgåelige sorg - trods alt giver de efterladte lov til at opleve afviklingen af den afdødes tilværelse i denne verden som en smuk forening med den guddommelige, evige hvile.

Når mine tanker kredser i disse baner, kan jeg ikke undgå at tænke på det værk, jeg selv gerne vil høre som det sidste, inden jeg forlader denne verden: Rachmaninovs preludium for soloklaver Op. 23 nr. 4 - også i D dur (Sergei Rachmaninov: 1873-1943). Her findes stykket indspillet af den russiske klaverlegende, Sviatoslav Richter (1915-1997):



Dette lille og yderst værdifulde værk har ganske vist en noget anden og mere melankolsk grundstemning og -klang, men er skabt ud fra det samme tonale materiale som Im Paradisum, og indeholder derfor mange lignende åbne, afklarende og varme klange. Det er klange, der kan opleves som både trygge og fyldt med umiddelbar og ren kærlighed, men som samtidigt i al deres enkelhed understreger livets sorger og savn. Klange, der på helt særlig vis kan indramme det smukke, simple og tragiske - og gå lige i hjertet. Helt uden omsvøb. 

fredag den 11. maj 2012

Introduktion til det kunstneriske studie

Da jeg var til et møde hos Hovedstadens Røde Kors om socialpsykiatri tidligere på ugen, havnede jeg i et miljø med klar overvægt af medicin- og psykologistuderende samt andre spændende mennesker fra universiteterne, for hvem musikkens verden var eksotisk og spændende. Jeg blev derfor i pausen spurgt grundigt ud om uddannelsen på musikkonservatoriet og livet som musikaspirant, og de blev introduceret til en verden, som var meget anderledes end deres egen. Det blev til et spændende møde mellem to kulturer.

Først talte vi om optagelsesprøven. Jeg fortalte, at der på min årgang var 30 pianister, der søgte ind på Det kgl. Danske Musikkonservatorium, og at der var 5, der kom ind. Det lød ikke af noget særligt, kunne jeg hurtigt fornemme. Og det er jo heller ikke noget særligt i forhold til, hvor mange der søger ind på universiteterne - eller på Det Rytmiske Musikkonservatorium i København. Men så kom jeg ind på, at det måske kunne have noget med optagelsesprøven på Det kgl. at gøre: den bestod bl.a. af en  længe forberedt solooptræden på 35-45min. Og så blev øjnene spærret op. Dét var alligevel specielt, og det gik pludselig op for både dem og jeg selv, hvor utrolig meget forberedelse, der skulle til for at blive optaget på konservatoriet i forhold til at sende en ansøgning af sted til Københavns Universitetet, som blev udfyldt på 5 minutter.

Nå, men hvad så med selve uddannelsens indhold og struktur?
Normalt var en bachelor en form for grunduddannelse, mens man specialiserede sig i kandidaten. Jeg fortalte, at man i princippet allerede har specialiseret sig længe inden man starter på konservatoriet - ellers kommer man ikke ind. Og at man således også fra begyndelsens start har et særligt fokus på fx et instrument, men at man på sin bachelor gennemfører de fleste af uddannelsens bifag, som kan siges at give en form for musikalsk "grunduddannelse". På kandidaten får man derfor mere tid til at arbejde med sit instrument eller sin stemme, og derved kunne der tegnes en parallel til universitetsuddannelsen.Var der så slet ikke nogen undervisning i videnskabsteori? Nej. Det kunne jeg ikke prale af at kende noget til. Men konservatoriet hører jo slet ikke under undervisningsministeriet - det hører under kulturministeriet, ligesom det Kgl. Teater. Selvom vi får en kandidatuddannelse, er vi ikke akademikere. Vi er kunstnere.

Hvordan foregår eksaminerne på konservatoriet?
Størtedelen af eksaminerne - i hvert fald de vigtige af dem - foregår som større eller mindre koncerter og optrædener. En bachelor-opgave er ikke en 50-siders rapport, der kan afleveres inden en deadline, hvorefter man overlader censorens oplevelse af projektet fuldstændig til vedkommende. Det er en performance, hvor man selv skal servere sit stof på et sølvfad. Man kan fifle og rette og skrive om i en rapport til man segner, så den bliver, som man vil have det, og herefter kan man aflevere den og "være færdig". På konservatoriet kan man aldrig blive færdig. Da vi uddannes til at optræde, er det dét,  vi skal kunne, når vi forlader institutionen - og det, vi eksamineres i. Om vi så har 10 min. eller en hel kandidatkoncert på ca. 3 kvarter, så vil vi altid blive bedømt på lige præces det, vi kan levere i øjeblikket. Så er alt andet, og alt det, du har gjort før og vil gøre bagefter, fuldstændig lige meget.

Men hvad så med en Ph.d?
Musikkonservatoriets svar på en Ph.D er en solistuddannelse, hvor man får endnu et par års undervisning og vejledning til at udvikle og fordybe sig. Dette vakte ikke stor tilfredshed blandt de nysgerrige. For hvad er en Ph.D uden forskning? Og hertil kunne jeg ikke svare andet end, at man altid - lige fra man begynder at stifte bekendtskab med musik og resten af livet - vil udforske musikkens verden. Livet som musiker er én lang udforskning af musikkens sjæl og væsen.

Herefter kunne de ikke lade være med at smile lidt over min poetiske tilgang til emnet. Men man er vel kunstner.